MR. MOORE

 

     El otro día tuvimos una divertida plática con Daniel Ramírez Moore mejor conocido  como Mr. Moore, Diseñador gráfico e Ilustrador egresado de la facultad del Hábitat.

Todos somos el resultado de muchas influencias visuales y vivenciales y eso me gusta traducirlo a lo gráfico, me gusta tener libertad creativa y poder trabajar con los detalles”… nos platicó Mr. Moore.

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¿Cómo surge tu gusto por la ilustración?

Durante la escuela resolvía la parte de diseño a través de ilustraciones, siempre me gustó mucho hacer cosas fuera de lo común, o experimentar con los procesos, de ahí me nació el gusto por la ilustración.

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¿Quienes te inspiran?

Siempre me inspiraron mucho las películas, hubo un tiempo en el que me influenciaba Tarantino y actualmente me inspira el cine de Wes Anderson, había un ilustrador que me gustaba mucho cuando estaba en la universidad y que fue de mucha inspiración, es un diseñador e ilustrador español que se llama Mik Baro, que tiene un estilo muy vintage y en su blog subía mucho los procesos de trabajo a mano y cómo lo transformaba ya en la compu, eso se me hacía muy padre porque a mi me tocó una formación donde ya todo se hacía por computadora,  y yo sentía a veces los resultados muy secos o muy fríos y siempre me gustaron los errores que surgen al hacer las cosas a mano, de manera más orgánica. Por ahí leí un día “el toque humano, lo da la mano” y es verdad.

¿Cómo llegaste a Rodando Film Festival?

Llegué por mi trabajo anterior, en ese entonces el director del Festival llegó ahí en busca de apoyo de difusión, nos contó del proyecto, lo que hacían y pues se me hizo algo muy padre porque el Festival Rodando se hace con el trabajo de voluntarios, es un trabajo por amor al arte y al cine y eso me latió mucho. El primer acercamiento fue por ese medio pero ya después yo quise colaborar como diseñador y pues me aceptaron.

Algo que siempre me ha gustado de trabajar en Rodando, es la libertad creativa para desarrollar la imagen. Consiste en platicar las ideas sobre la dirección que iba a tomar el Festival cada año en cuanto a la parte creativa, hacia donde lo vamos a llevar en el aspecto de que no solo se proyecte cine, sino que puedas generar otras actividades, que puedas incluso colaborar con otra gente y en base a eso desarrollamos el tema, slogan y por supuesto la parte gráfica.

 

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En esta ocasión el tema fue la fiesta, alejarnos un poco de la farándula que rodea al cine y explorarlo desde otro ángulo, el cine mexicano refleja a la gente, sus costumbres y su forma de vivir, entonces hacer una fiesta de cine mexicano fue la idea principal. Actualmente se han sumado más personas al proyecto: fotógrafos, músicos, productores de video, cineastas, diseñadores industriales y hasta arquitectos por lo que es más fácil proponer actividades alternas, hacerlas realidad y poder proyectar la imagen de diferentes maneras.

Este año se construyó una sala de cine en Plaza de Aranzazú, se hizo un video promocional diferente, cambiamos algunas sedes, armamos una exposición de cartel de autor y con ella se hizo una instalación de arte, nos aventamos a hacer cosas nuevas dentro del festival y eso es gracias al trabajo de mucha gente que aporta y enriquece las ideas.

Además invité a trabajar con nosotros a Claudia Lee (Diseñadora Gráfica), que se aventó el armado de los medios y el sistema gráfico, ella a su vez invitó a Gerardo Soler (Diseñador Industrial) y juntos vieron la parte del diseño para la instalación de la exposición de carteles que giraba en torno al cine; a su vez invitaron a otros diseñadores que se encargaron de la parte de producción y construcción de todo. Fue una cadena de colaboraciones con resultados muy muy padres.

¿Cuanto tardaste en la maquetación del Rodando Film Festival?

Yo nunca había trabajado con maquetación, salió a base de hacer experimentos, en un principio la idea estaba planeada para que fuera en corte láser y MDF, ya tenía los planos de lo que quería, incluso un Diseñador Industrial me ayudó a modelarla en 3D y todo, pero después vimos que sería muy difícil ensamblar por que había piezas muy pequeñas y decidí descartar ese proceso. Mejor construí la cámara con papel batería, como maqueta de arquitectura. Me fui guiando con diseños de cámaras que vi en internet, yo quería un modelo de cámara que todos pudieran identificar, algo muy universal, en este caso no hubo que hacer planos, sólo imaginé las proporciones y las mediadas de cada parte y las corté en el cartón. Un día cortaba las partes y al otro las pegaba y hacía los volúmenes, fue un proceso muy laborioso porque después vino la parte de la pintura. La primera idea fue pintarla como si fueran juguetes mexicanos, pero ganó el concepto de que pudiera semejar un alebrije, como un personaje fantástico animado, y eso tuvo mucha influencia en cómo la pinté, busqué darle personalidad con los colores y poniéndole ojos, porque a fin de cuentas la cámara lo que hace es ver a los demás y captarlo. Ya con la maqueta terminada una amiga diseñadora (Claudia Lee) se encargó de hacer la fotografía, la editamos para poderla incluir en varios impresos y listo. Creo que fue un proceso difícil porque nuca lo habíamos hecho, pero el resultado nos gustó mucho.

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Hay ciertos colores que siempre usas, tienes un estilo propio, y  varias cosas relacionadas con la música.

Siempre me ha interesado la relación entre música y diseño, y cómo pueden influir de una forma una y otra. Eso de la paleta de colores es  porque siempre trato de ser ordenado en ese aspecto. Cada proyecto tiene su paleta de colores y es parte de darles identidad.

¿Cómo surge tu exposición RADIO [gráfica + música], que se presentó en el San Luis Design Week del año pasado en Bóvedas?

Néstor Rocha, el organizador de SLDW me invitó. Platicamos sobre las actividades que iban a realizar y entre los dos armamos la exposición de Radio que trataba de recopilar obras que yo había hecho de unos años para acá. Me parece importante y me gusta mucho inventarme proyectos de diseño en los que pueda hacer cosas propias, experimentar y el pretexto casi siempre es la música. Las piezas gráficas que expuse eran básicamente traducir discos o canciones a un aspecto visual en formato de cartel. Yo escuchaba la música, las letras de las canciones y hacía un ejercicio de conceptualización para desarrollar una ilustración, en la que cada proceso fuera diferente según la obra. Por ejemplo,  si el género era PUNK, el proceso para desarrollar la ilustración era muy a la Do It Yourself (fotocopiar, armar imágenes en collage, desgastar letras a mano, etc.) con el fin de darle personalidad e identidad al cartel, que tuviera coherencia con la música pues. Lo padre es que al ser proyectos míos tenía mucha libertad y tiempo para probar ideas y procesos diferentes por lo que algunas obras se hicieron completamente a mano y otras digitales.

https://www.youtube.com/watch?v=glxsltgDT1g

“Cada diseño tiene un proceso diferente”

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¿Actualmente das clases en algún lugar?

Acabo de terminar un cuatrimestre en UNID, me invitaron a dar Taller de Creatividad para la carrera de Ciencias y Técnicas de la Comunicación. Actualmente inicio semestre en UCEM, doy 3 materias. Cómic a los alumnos de Ciencias de la Comunicación, y en Comunicación Gráfica tengo la materia de Taller de Diseño III que básicamente se trata de crear sistemas gráficos y también doy un Taller de Ilustración.

Está muy padre porque son materias prácticas y se relacionan con mi experiencia, además que puedo compartir el gusto por la experimentación de diferentes procesos, desde el pensamiento y conceptualización de una idea, la creación de recursos de diseño hasta el producto final. Creo que esa parte es muy importante, que los diseñadores hagamos nuestros propios recursos gráficos, una foto de internet o una tipografía gratuita la pueden bajar todos, pero lo que nosotros hagamos no; eso te hace dar resultados únicos.

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¿Has dado más talleres?

Comencé hace 3 años, con talleres de diseño experimental en Arteria Izquieda, me propusieron armar un taller de algo que me gustara, y ahí nació Retrorama, el chiste era crear tres diseños, uno por década (50’s, 60’s y 70’s). Era un taller donde aprendíamos de movimientos culturales de cada década, era no sólo comprender los estilos gráficos del pasado y sus características sino saber por qué se generaron, qué pasaba o qué pensaban las personas, cuál era el contexto social para poder traducir esas ideas en diseño. Estudiábamos tres estilos gráficos: POP-Art, Sicodélia y Punk.

En ese taller conocí muchas personas que compartieron ese gusto por el diseño, entre ellas Claudia Lee y Ale Lara, que fueron quienes me contactaron con UCEM y a la vez yo las jalé a trabajar a Rodando, hicimos buen equipo.

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¿Cómo organizas tus tiempos?

Pues hay días que destino para dar clases, y otros para mis proyectos personales. Lo tardado de hacer diseño en mi caso es la generación de ideas, trato de enfocarme al público que va a ver el diseño, a lo que puedan sentir o cómo puedo hacer llegar mejor el mensaje y que éste pueda generar un impacto. También me gusta buscar música que se relacione con el tema del que estoy hablando, si el tema es acerca de cine, busco música que tenga que ver con cine, investigo influencias, géneros derivados o corrientes artísticas que hayan influenciado al proyecto, al artista o a la fuente. Todos somos el resultado de muchas influencias visuales y vivenciales y eso me gusta traducirlo a lo gráfico. La parte técnica me resulta muy fácil siempre y cuando ya sepa qué es lo que quiero decir, cuando ya tengo la idea construida.

Actualmente trato de no trabajar con clientes que quieren diseño rápido o genérico donde no tenga libertad creativa, con el tiempo aprendes a seleccionar bien los proyectos en los que quieres colaborar y ves más allá del beneficio económico. A la par me gusta tener tiempo para mis proyectos, hacer ilustración por gusto y subir a la fanpage procesos e ideas que vayan surgiendo.

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¿Cuándo empezaste a trabajar?

Estando en la Universidad comencé a trabajar para LOVE un bar donde se hacían conciertos, venían bandas de todos lados y era un foro para que se conocieran también las bandas locales, mi trabajo era diseñar carteles para las presentaciones, por lo que conocí muchas bandas y músicos de todo tipo. Para cuando salí de la universidad yo ya tenía un buen portafolio de diseño, con proyectos reales, de hecho fue ahí donde conocí a la banda Shamanes ahora buenos amigos, con quienes trabajé mucho tiempo, incluso me invitaron a hacerles el arte de su último disco “De vida o Muerte”.

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¿Cuál es tu música favorita?

Me gusta mucho la música de los 60’s, y me gusta mucho esa década en particular porque creo que es cuando las bandas empezaron a experimentar. Aunque me gusta mucho la música de otras décadas, el Jazz de los 20’s, el Rock&Roll de los 50’s, la Sicodélia de los 60’s, el punk y el rock de los 70’s y el Pop ochentero, que me tocó más cuando era niño. La música es muy importante para mí, me gusta investigar cómo surge, como van cambiando los géneros y cómo se dá en otras partes del mundo, actualmente colecciono discos de vinil, principalmente por las portadas aunque el sonido de la aguja tiene un aire vintage que no dá lo digital.

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¿Películas?

Me gustan de todo tipo pero he cambiado mis favoritos con el tiempo, de estudiante me gustaba mucho George Romero, luego conocí a Tarantino y con Death Proof me influenció muchísimo, me encantaba cómo tenían sus películas una intención de parecer viejas, a veces hasta mal hechas y entonces empecé a aplicar eso en el diseño,  si ves mi trabajo de ese tiempo todo apuntaba a que había sido hecho muchos años atrás, desde lo visual hasta el lenguaje, me gusta cuidar mucho esos detalles, si ves un error de impresión, un desgaste en los colores, una arruga en el papel todo es intencional.

De Wes Anderson me gusta mucho la estética, la cuestión del orden, de la composición, de cómo usa las estructuras visuales y trabajar con paletas de colores bien definidas, las tipografías, incluso hasta la parte de la imagen, que fuera más limpia.

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¿Qué consejos le darías a los estudiantes?

“Que te guste lo que haces, que busquen la forma de trabajar con pasión…”. Como a  mi me gusta mucho lo que hago, investigo y busco y experimento otras formas de hacer las cosas, no estoy contento con el resultado nunca y eso me gusta. También es importante no cerrarse a colaborar, compartir el conocimiento a veces es más enriquecedor. El diseño no trabaja con apatía, no es cerrarse a hacer sólo cierto tipo de cosas, la gente cree que un diseñador solo hace logotipos y no es cierto. Creo que ese sería el consejo, no cerrarse a cosas ajenas, acercarse a otras cosas como el arte, la música, la literatura e incluso aprender formas de expresión visuales diferentes, grabado, pintura incluso hasta bordado, distraer la mente pero con cosas que nos puedan servir.